2009/12/31

12 cuadros para el año 2010

La última entrada de 2009 y primera entrada de 2010 es la propuesta de un proyecto para el blog:
Un cuadro interesante cada mes.
Expondré un cuadro que podamos mirar y comentar. Necesitaré cuantos más comentarios mejor porque cada comentario aportará algo nuevo a la manera de mirar el cuadro de los demás.
El año que viene en azulbleu empezará con buena pintura. Sería fantástico que los lectores del blog propusierais cuadros que os interesan. Lanzo la pregunta: ¿Cuál es tu cuadro favorito y por qué?

2009/12/25

Mirar un cuadro

Robert Hughes, escritor y crítico de arte con un gran prestigio internacional, es también un gran aficionado a la pesca, sin ser un experto pescador. "Un idiota en un extremo de una línea, esperando a un idiota en el otro", es una manera popular de definir la pesca con caña y es como titula su libro sobre el tema: "A Jerk on One End: Reflections of a Mediocre Fisherman", en el que nos explica que pescar con caña consiste en gran medida en no capturar ningún pez y que el fracaso forma parte de este deporte igual que las heridas en la rodilla forman parte del fútbol.
Robert Hughes creció en Sydney Harbour, en Australia, practicando rugby en el colegio cuando su idea de un deporte de contacto era el ajedrez. Desarrolló una gran afición a la pesca por la posibilidad que le daba de permanecer solo varias horas, algo valioso a esa edad para quien tiene fama merecida de listillo snob entre sus compañeros y un padre muy ocupado. Ningún problema, porque sin ser consciente de ello entonces, estaba recibiendo una educación muy valiosa en mirar y discriminar.
Traduzco libremente del inglés un párrafo de su libro:
"Para pescar algo, por pequeño que sea, has de percibir qué pasa: el movimiento del agua y los dibujos que hace, las rocas, las algas, el temblor de los pececillos en desbandada que delata a un depredador mayor por debajo de ellos. El tiempo que pasé en el muelle me enseñó a concentrarme en lo visual, porque pescar es una actividad intensamente visual, incluso-quizá especialmente-cuando no ocurre nada. Ver es fácil, pero aprender a mirar es algo que ocurre gradualmente, algo que se adquiere poco a poco de una forma inconsciente y llega con sigilo. La señal de que se ha adquirido es el hecho de que ya no te aburre la ausencia de lo espectacular."

La ausencia de lo espectacular es precisamente lo que hace que mirar un cuadro sea una experiencia placentera, porque si hemos superado el primer impacto después de verlo y seguimos mirando, podremos recorrer y disfrutar el dibujo, la composición, la gama de color, los matices, las innumerables decisiones que ha tomado el pintor con respecto al tema, veremos el tiempo que el pintor pasó frente a la tela y podremos compartir la luz que le iluminó, las emociones que le influyeron y la conclusión a la que llegó, al firmarlo, de que aquel cuadro es su visión del mundo y que quiere compartir esa visión con cualquiera que en ese momento se detenga a mirar su cuadro.  

2009/12/23

Ver cuadros en la web, con super alta resolución

























Ahora podemos ver en la pantalla del ordenador algunas obras maestras de la pintura que están en el Museo del Prado de Madrid, con un grado de definición y de detalle como nunca antes nos fué posible visitando las salas del Museo, gracias a la super alta resolución. Es increíble acercarse a los cuadros y poder ver la pincelada como si sólo nos separaran unos centímetros de la tela. Vemos el craquelé, la trama del lienzo, el rastro del pincel como lo veríamos si pudiéramos acercar una lupa. Podemos ver cada trazo de la cabellera huyendo de la frente de Eva en el Jardin de las Delicias de el Bosco, o ver la mancha nada redonda de la pupila de una Menina de Velázquez y la comisura de la sonrisa de una de las Tres Gracias de Rubens.
Son catorce cuadros extraordinarios, como lo es la manera de verlos que ha posibilitado Google Earth, digitalizando estas imágenes en formato super alta resolución. No puedo poner un enlace directo ya que para verlo hay que instalar gratuitamente Google Earth en nuestro ordenador, buscar Museo del Prado, Madrid, España y una vez allí, seleccionar la opción Obras Maestras que aparece como un pequeño recuadro blanco sobre el edificio. 
Por curiosidad he buscado si existía en el Louvre y en el British Museum la misma posibilidad de ver obras que se encuentran allí con este grado de definición, pero no lo he encontrado. Aunque ha sido pura avidez, ya que bucear con este nivel de detalle visual en estos catorce cuadros puede llevar a cualquier aficionado a la pintura, a disfrutar durante años de la riquísima imaginación visual de el Bosco, de la precisión de Durero, o de las transparencias de Rubens y descubrir nuevos detalles en cada visita. Todavía recuerdo el curso de Historia del Arte que nos dió el profesor José Milicua en la facultad de Bellas Artes, donde durante un año observamos únicamente tres cuadros: "El matrimonio de los Arnolfini", de Jan Van Eyck, "La muerte de Marat", de David y el "Guernica" de Picasso. En esas clases que siempre se me hacían cortas aprendí a mirar los cuadros, que veíamos proyectados en diapositivas en la Sala de Actos. Primero mostraba el cuadro en general y después nos acercaba a observar y analizar los detalles, mientras nos hablaba de las técnicas de pintura que había utilizado el pintor, el estilo artístico al que pertenecía, el contexto histórico en que vivió el artista y realizó su obra, y costumbres de la época o sucesos históricos que plasmaba. El cuadro crecía y crecía a nuestros ojos conforme con sus palabras José Milicua ampliaba nuestra manera de mirarlo. 

Gracias a Luis Serra por enseñarme esta opción en google earth.

2009/12/18

¡Pintura! Marina Núñez.


Pintura de Marina Nuñez, una pintora a la que admiro desde hace años, cuando vi un cuadro suyo en la exposición colectiva "Una locura", comisariada por Juan Bofill, en la que también participaba Jordi Saladrigas, en 2001(?). De pronto he caído en que no había escrito nada sobre ella, a pesar de recordar su cuadro durante todos estos años. Era una cabeza enorme, con una gama de color nada realista y una mueca como expresión. Pertenecía a su serie de cuadros "Locura" y aunque era otra, he decidido reproducir ésta cabeza porque es donde mejor se aprecia el contraste de azules y rojos, ya que es difícil en el pequeño tamaño de la columna de este blog producir el mismo impacto que me produjo ver el cuadro de 145 x 145 cm al natural. Creía recordar que el color del fondo era el mismo lienzo de lino sin imprimar, pero al ver las fotos de su web, ahora lo dudo.





















La memoria, dicen, reconstruye nuestros recuerdos cada vez que los evocamos y los va modificando con el tiempo.

Es el único cuadro que he visto de ella al natural. Al visitar su web, lamento no haber visto hasta ahora cuadros como éste de la serie "Ciencia Ficción" donde, gracias a un punto de vista cenital nos pinta una inquietante realidad sugiriendo que dos seres habitan un mismo cuerpo, aunque bien podría ser la representación de un pensamiento, un recuerdo, o bien de un proceso mental o capacidad de percepción.

Utilizar la pintura figurativa y el dibujo realista no para representar una realidad externa, sino pensamientos, emociones, procesos mentales, es algo a muchas mujeres pintoras parece interesarnos mucho.

2009/12/11

El Bosco visto desde Beijing: Miao Xiaochun



















Miao Xiaochun (1962) es un artista chino que revisita las obras de grandes maestros del arte occidental utilizando técnicas de imagen generada por ordenador.
Es una auténtica revisión y recreación, a partir de una iconografía fácilmente identificable para quienes admiran las obras del Bosco, Lorrain, Cranach, etc. La originalidad de su mirada oriental sobre un arte en principio culturalmente ajeno, pero que conoce admirablemente, actualiza y da un nuevo sentido a imágenes que asociamos con un pasado glorioso, pero lejano, del arte occidental. Todas las culturas emergentes han revisado, adoptado y transformado las culturas imperantes a las que vienen a sustituir: lo hicieron los romanos con el arte griego, los italianos del Renacimiento con los romanos, los cubistas europeos con el arte africano...
Señoras y señores: Pasen y vean cómo nuestro patrimonio cultural europeo pasa a ser asimilado y transformado por China, en la Exposición "Beijing Time/ La hora de China" en el Matadero de Madrid, del 17 de diciembre de 2009 al 21 de marzo de 2010. Ya que están en Madrid, pueden pasar por el Museo del Prado para mirar "El Jardín de las Delicias" de el Bosco. Nunca defrauda.

2009/11/10

Balthus habla de Pintura, escuchamos.

Podemos tener la sensación de estar en la misma habitación y escuchar a Balthus hablándonos de pintura, al leer el libro "Memorias. Balthus". Durante sus estancias en la Rossinière, la gran casona de madera situada en una ladera de Enhaut, Suíza, Alain Vircondelet escuchó atentamente las reflexiones y los recuerdos del anciano Balthus, el gran pintor figurativo del siglo XX, contemporáneo y amigo de Bonnard, Rilke, Picasso, Giacometti, Mondrian, Malraux, entre muchos otros, que vuelve sobre sus pasos para recordar cuando siendo muy joven aprendía a pintar copiando en las salas del Louvre a Poussin y Lorrain, y cómo más tarde descubría en Italia a sus maestros Piero della Francesca, Massacio y Giotto, para volver a Francia concentrando su vida en la pintura de depurados, lentamente elaborados, intemporales y esenciales retratos, cuadros y decorados y finalmente regresar a Italia para dirigir durante unos años la Villa Medici en Roma. En estas conversaciones nos hace sentir cercanos a todos los grandes artistas que encontró en su vida, vivos y muertos, europeos y orientales, y nos expone sus pensamientos y procesos de trabajo para que podamos vislumbrar cómo ha elaborado sus cuadros. En el prólogo del libro , Paul Lombard explica:
"Cuando la melancolía caía como nieve sobre el Grand Chalet cubierto de escarcha por el viento, Balthus me tomaba interminablemente la mano para calentar la suya. Lo interminable se me hacía corto. Ese ladrón de calor encendía un pitillo detrás de otro y, con voz quebrada, me hacía compartir sus recuerdos más recónditos: "No sé -me dijo unos días antes de su muerte- si le he contado, Maître Paul -siempre me llamaba así-, cómo conocí a Antonin Artaud".

Oímos el ronroneo de algún gato que se acerca, y la voz de Balthus en un susurro:
"Hay que aprender a atisbar la luz. Sus inflexiones. Sus fugas y sus filtraciones. Por la mañana, después del desayuno, después de leer el correo, informarse sobre el estado de la luz. Saber si es posible pintar hoy, si el avance en el misterio del cuadro será profundo. Si la luz del estudio será buena para penetrar en él."
(...) "El estudio es el lugar de trabajo. De la dura faena. El lugar del oficio. Es fundamental. Es allí donde me recojo, como en un lugar de iluminación."
(...) "Me encantan esas horas que paso mirando el lienzo. Contemplándolo. Horas incomparables en su silencio."
(...) "Un cuadro o una oración, lo mismo da: una inocencia por fin alcanzada, un tiempo sustraído del desastre del tiempo que pasa. Una inmortalidad capturada."
(...) "Tengo fama de pintar un cuadro en diez años. Yo sé cuándo está terminado. Es decir, cuándo está cumplido. Ninguna pincelada, ni el menor rastro de color deben corregir el mundo por fin alcanzado, el espacio secreto por fin percibido. Fin de la larga plegaria pronunciada en el silencio del estudio. Fin de la contemplación silenciosa. Se ha acariciado una idea de la belleza".





2009/10/30

Pintores en el cine


















Las películas en que aparecen pintores son numerosas, ya que su trabajo es muy fotogénico. Al contrario de los poetas, cuyo trabajo es muy poco cinematográfico como bien explica la gran poeta polaca Wieslawa Szymborska:

"Espectaculares pueden ser las películas sobre pintores, ya que es posible reconstruir todas las fases de creación de un cuadro -desde la primera raya hasta la última pincelada. Las películas sobre los compositores se llenan con su música: desde los primeros compases, que el creador escucha en su interior, hasta la obra madura ya terminada y repartida entre varios instrumentos. Todo sigue siendo muy ingenuo y no dice nada sobre el extraño estado de ánimo que se conoce comúnmente como inspiración, pero por lo menos hay algo para ver y oír.

El peor de los casos es el de los poetas. Su trabajo resulta irremediablemente poco fotogénico. Uno permanece sentado a la mesa o acostado en un sofá, con la vista inmóvil, fija en un punto de la pared o en el techo; de vez en cuando escribe siete versos, de los cuales, después que transcurre un cuarto de hora, va a quitar uno y de nuevo pasa una hora en la que no ocurrirá nada ¿Qué clase de espectador podría soportar una cosa semejante" 


¿Por qué algunas películas no son ingenuas y sí transmiten el trabajo de Pintura? Parecen sortear la dificultad de mostrar el "extraño estado de ánimo que se conoce comúnmente como inspiración" del que habla W.S. y que más adelante explica:


"la inspiración no es privilegio exclusivo de los poetas ni de los artistas en general. Hay, hubo, habrá siempre un número de personas en quienes de vez en cuando se despierta la inspiración. A este grupo pertenecen los que escogen su trabajo y lo cumplen con amor e imaginación. Hay médicos así, hay maestros, hay también jardineros y centenares de oficios más. Su trabajo puede ser una aventura sin fin, a condición de que sepan encontrar en él nuevos desafíos cada vez. Sin importar los esfuerzos y fracasos, su inquietud no desfallece. De cada problema resuelto surge un enjambre de nuevas preguntas. La inspiración, cualquier cosa que sea, nace de un perpetuo "no lo sé".

En la película "Andrei Rublev",  Tarkovski une la profundidad de las reflexiones que se hace el monje del siglo XV y pintor de iconos Andrei Rublev sobre las relaciones entre el arte y los poderosos, ya sean políticos o eclesiásticos y la enorme belleza de las imágenes en blanco y negro, que sólo dejan paso al color cuando al final de la película se muestran los iconos de los que fué autor, como este "Cristo Redentor".














 

2009/10/28

Un lugar seguro

















 Imagen: Fred Wilson, "Safe House II, (Speak of Me as I Am)", 2003

Un espacio seguro es el título de una interesante entrada en el blog de arte Art21. En el artículo varios profesores de arte comentan maneras de ofrecer a los alumnos un espacio seguro en el que puedan aprender, estudiar y crear. Para ello proponen al alumno el uso de una libreta de apuntes en la que volcar ideas y proyectos, trabajar fuera de clase para aplicar los conocimientos que han aprendido allí y al profesor le proponen que organice bien el tiempo de clase. Llegan a la conclusión de que los espacios a los que dan forma tienen más que ver con las herramientas que facilitan, la confianza que construyen y la buena distribución del tiempo, que simplemente con el orden de las lecciones y el espacio físico.

Sin embargo, la imagen con que lo ilustran me ha hecho pensar en el espacio físico seguro.
No sólo los humanos, todos los animales que recuerdo necesitan un espacio seguro. Todos establecen una madriguera en la que sentirse seguros, que puede ser un espacio físico como lo son nuestras casas o puede ser un espacio de refugio como el que crean las manadas y rebaños o los bancos de peces envolviendo protectoramente a cada individuo. Ya sean nómadas o sedentarios, los seres vivos recurren al espacio seguro cada cierto tiempo, ya sea durante la noche, el día, el invierno o durante la época de cría.
Es una necesidad básica incluída en la Declaración de Derechos Humanos.

Bueno, muchos pintores establecen el espacio seguro de su trabajo en su estudio. En estos tiempos de crisis económica, muchos vamos a ver desaparecer ese espacio seguro y volveremos a pintar en una pequeña habitación de la casa. O estableceremos ese gran estudio portátil que es la libreta de apuntes. Y su hermano mayor el libro de artista, con las páginas abiertas como paredes creadoras de espacios mentales. El blog, la web, escenarios tan efímeros como la visita virtual, en los que caben un artista trabajando y cuantos quieran entrar a participar serán otro espacio seguro que se trasladará con nosotros allá donde vayamos.
Un espacio físico seguro para trabajar lo encontraremos en bares, bibliotecas, centros de arte y lugares públicos que nos ofrezcan el refugio, el silencio, la comunidad y los estímulos sensoriales o intelectuales que necesitamos para hacer lo que mejor sabemos hacer.

2009/09/24

Pintura y Música



Pintura y Música es título para un libro con millones de páginas, si eso es posible. La relación mutua de Música y Pintura es remota como los cantos o el sonido de percusión que posiblemente acompañó el trazo de la pintura en las cuevas de Altamira o Lascaux. En Tassili, Argelia, éstos músicos fueron pintados en las paredes de una cueva hace unos seis mil años.













La Música ha ayudado a crear infinidad de cuadros y la Pintura ha sugerido sonidos a los músicos. Muchos pintores trabajamos envueltos literalmente en música cuando estamos en el estudio y la música que elegimos escuchar influye en la obra. He terminado titulando cuadros con el título de la música que escuchaba al pintarlos, porque son tan míos como de la atmósfera sonora que crea la música.
Los músicos hablan de coloratura como un realce de la música y la soprano de coloratura es la que interpreta la famosa aria de La Reina de la Noche en La flauta mágica de Mozart.


El cuadro de Gustav Klimt "la Música", logra con el movimiento de formas abstractas en el fondo y en el instrumento, que contrastan con el gesto de concentración de la mujer, sugerir lo que quiere representar: la inmaterialidad de los sonidos y su capacidad evocadora.

















La música para esta entrada: video de la celista Zoë Keating, interpretando "Escape Artist".
Y para los que quieren escuchar la música que han compuesto dibujando en una cuadrícula, aquí está inudge.net, cuyo slogan es: todos podemos crear música.



Aurelia Muñoz. Escultura y color.

Aurelia Muñoz es una gran artista de ochenta y tres años que ha realizado esculturas con todo tipo de materiales de origen vegetal: yute, algodón, papel. Sus obras pueden verse en la galería N2 de Barcelona hasta el día 7 de noviembre de 2009. Las obras son compactas, como la realizada en yute "Ente social" y etéreas, como "Mandala jardín". El día de la inauguración fué un placer verla a través de su obra "Algas azules", realizada con papeles a los que da forma y color al elaborarlos, rodeada por el respeto de jóvenes artistas.



2009/09/14

Pintura, fluidez.

La fluidez de la pintura se asocia con las técnicas al agua, como acuarelas o tintas. Son pigmentos mezclados con un aglutinante y disueltos en agua. Un ejemplo de tinta utilizada en Oriente para escritura y pintura es este haiku de Ikkô y un ejemplo de acuarela utilizada en Occidente es "Norham Castle. The sunrise", de Turner:


Norham Castle, Sunrise, JMW Turner, 1845 - Done during the Industrial Revolution it has been suggested the amount of ash in the air might be reflected in Turner's paintings

Este video evanescente recrea la fluidez de los colores de la pintura como la observamos al limpiar pinceles de tinta en agua, al utilizar salpicaduras en dripping painting o al pulverizar pigmentos con un spray o un aerógrafo.
La música es del compositor islandés Ólafur Arnalds y la imagen generada por ordenador del animador argentino Esteban Diácono.

Ólafur Arnalds - Ljósið (Official Music Video) from Erased Tapes on Vimeo.

2009/08/29

Raquel Cohen. Escultura y Luz.




























Una mujer puede pintar con luz utilizando planchas de cobre con pátinas de distintos colores. Colores para una noche negra y oro, cubierta de verdes, ocres y rojos de tierra. Una mujer puede, sólo con una aguja y un hilo, construir un barco para navegar la Noche. En su noche, los troncos de árbol se abren como libros. Las enormes hojas tienen en sus nervaduras que recorre una savia luminosa, el mapa de un laberinto.
stage
La fotosíntesis es el proceso por el que las plantas transforman la luz solar en materia vegetal. Esta mujer hace el camino inverso y la materia de sus esculturas de arquetipos vegetales produce luz: las semillas gigantes que surgen en su estudio, cuando germinan no producen flores, dan a luz estrellas.
stage
Si la Pintura hay que verla al natural, la Escultura ha de recorrerse y se ha de tocar. Se pueden ver las esculturas de Raquel Cohen y quedar envueltos por su luz en la exposición que inaugura en la Galería Michael Dunev el 5 de septiembre 2009. Para que la escultura sea una experiencia además de un objeto, hay que verla.

2009/08/20

Feliz Cumpleaños

Para todos los pintores y las pintoras que hoy, 20 de agosto, cumplen años, regalo un texto lleno de colores firmado por Pablo Picasso, fechado el 20-8-59:

"Las escarapelas rosas y verdes de las estrellas lucían sus pelos negros el sol de rodillas al borde del pozo tocando y retocando sus afeites en las lunas de las uñas y en las tejas de racimos verdes de las uvas negras recortadas de perfil sobre el enjambre de azules de la camiseta rayada del azul del azul verdoso del azucarado azul clavado al rosa del pañal morado del lila arrebujado en el nido del morado celeste del ombligo azul del catre tendido al risueño olor de cabra y cabrón al borde del riachuelo con tanta gracia y sin risas ni gritos- a las seis empezó el baile de todos los antiguos empleados de las casas castillos estaciones de trenes tabernas panaderías sastres curas y peluqueros chicas de servir amas de casa niñeras peones camineros- todas las niñas de dos semanas a cuarenta y tantos años vestidas de rosas y claveles de jazmines y nardos distribuyeron las torrijas airosas a los mozos y a las autoridades- la hermana de Montserrat y la Pamela sacaron el número mayor y se fueron tan contentas al olivo. Don Augusto Manuel el sinvergüenza se emborrachó y se puso como una sopa en el portal del curro. Gracias sean dadas a la presencia de espíritu del Alcalde no pasó nada pero la cosa estuvo fea durante seis semanas sin contar los días de fiesta."

Extracto del libro:
"El Entierro del Conde de Orgaz", Pablo Picasso, Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 1970

¡Felicidades!

2009/08/11

Cosmos y Pintura

Los pintores y las pintoras han levantado muchas veces la vista para mirar el cielo y han querido después pintar esa inmensidad. Turner, Van Gogh, Kandinsky, Miró, Joan Ponç, Vija Celmins, ...
Joseph Mallord William Turner Shade and Darkness - the Evening of the Deluge exhibited 1843




Ahora los astronautas orbitan alrededor de la Tierra y desde las ventanas de la estación espacial ISS miran hacia abajo. Y lo que ven cuando nos miran desde el cielo, se parece mucho a lo que vemos nosotros cuando levantamos la vista hacia el cielo.
Tokyo at night. Photograph from the International Space Station.
Y algo curioso, es que estas imágenes parecen compartir la misma belleza que Santiago Ramón y Cajal dibujó mirando hacia abajo en su microscopio, para estudiar las neuronas del cerebro:

y que encontramos en las fotografías actuales de neuronas:
Explican un paso clave en el desarrollo de las neuronas
o en las simulaciones de neuronas realizadas por ordenador:

Las resonancias en la forma, los elementos comunes en el dibujo de sus componentes que forman los seres vivos, pueden recordarnos cuán interconectados estamos todos los seres. No sólo entre los de la misma especie, sino con todo lo que forma parte de la Naturaleza en la Tierra y con el Cosmos.



2009/08/06

Banksy y Miquel Barceló

Los pintores muralistas de hoy día no esperan que un cliente, ya sea la Iglesia o el Estado, el Rey o la Nobleza, le hagan un encargo, como el que el Papa Julio II hizo a Michelangelo para que pintara el techo de la Capilla Sixtina en Roma. El pintor y la pintora muralista de hoy día ya no pintan los muros interiores de un palacio o de una iglesia, dejando sus Pinturas a la vista sólo de unos privilegiados con acceso al interior del palacio, o de los fieles a un determinado culto religioso.
Los pintores muralistas hoy, realizan sus pinturas en las paredes exteriores de los palacios que levanta el poder actual, ya sean Bancos o Museos de Arte contemporáneo. Siguiendo el signo de los tiempos, que han traído los avances sociales que suponen el acceso generalizado a la salud, la educación y la enseñanza, los pintores murales utilizan ahora todas las paredes de fachadas que encuentran a su alcance, poniendo así su Pintura a la vista de todos. Ahora sólo has de pasear por la calle para acceder a muestras de Pintura mural. En Barcelona ha habido ejemplos excelentes en los alrededores del Macba durante los últimos años. Y cualquiera que entre o salga de una gran ciudad en coche o tren, habrá podido ver muchos.
A diferencia de Miquel Barceló que ha aceptado el encargo hecho por el Ministerio de Cultura español con un presupuesto de millones de euros, para pintar el techo de la Sala Central de la ONU en Ginebra, siguiendo así la larga tradición que une a artistas y poderosos de todas las épocas, Banksy es un Pintor muralista que trabaja de forma altruista.
Banksy artwork in Pollard Row, London
Banksy pinta gratuitamente los muros de fachadas con temas figurativos y socialmente comprometidos. Sus graffitti son el equivalente gráfico a un editorial de prensa sobre temas actuales. Eligiendo el lugar y la imagen, hace comentarios a la vista de todos y emite su opinión sobre terrorismo, autoridad, libertad, vigilancia policial, sexo, etc. Lo ha hecho en las calles de Londres y de muchas otras ciudades. También sobre el muro que separa a los Palestinos en Israel.
Banksy, con su preocupación por mostrar temas que son motivo de polémica y con los que se cuestionan actitudes, tiene un enfoque parecido al Géricault de La balsa de la medusa.
Aunque Banksy abandona temporalmente los muros callejeros y expone sus cuadros en el Bristol Museum. Mmmhh...¿Quizá sea el próximo en pintar la cúpula de Saint Peters?

2009/08/02

Restauración de Pintura

Francisco de Goya responde por carta fechada en 1801 a la consulta que se le hace sobre la restauración de unas pinturas, tras visitar el taller del pintor que la realiza:
"(...) No puedo ponderar a Vuestra Excelencia la disonancia que me causó el cotejo de las partes retocadas con las que no estaban, pues en aquéllas se había desaparecido y destruído enteramente el brío de los pinceles y la maestría de delicados y sabios toques del original que se conservaban en éstos; con mi franqueza natural, animada del sentimiento, no le oculté lo mal que me parecía. A continuación se me mostraron otros, y todos igualmente deteriorados y corrompidos a los ojos de los profesores y de los verdaderos inteligentes, porque además de ser constante que cuanto más se toquen las pinturas con pretexto de su conservación más se destruyen, y que aun los mismos autores reviviendo ahora, no podrían retocarlas perfectamente a causa del tono rancio de colores que les da el tiempo, que es también quien pinta, según máxima y observación de los sabios, no es fácil retener el intento instantáneo y pasajero de la fantasía y el acorde y concierto que se propuso en la primera ejecución, para que dejen de resentirse los retoques de la variación. Y si esto se cree indispensable en un artista consumado, ¿qué ha de suceder cuando lo emprende el que carece de sólidos principios? (...)"

La restauración de pinturas utiliza hoy en día técnicas de análisis muy precisas, como puede verse en ésta presentación que publica The Wall Street Journal, del cuadro "Madonna con niño" de Boltraffio.



Las palabras de Goya siguen siendo vigentes, porque tras la sofisticada tecnología sigue estando la intervención de un pintor restaurador que va a pintar sobre los trazos de otro, siglos después de aquél instante de invención y fantasía de la pincelada original. Parece que Goya asumía que el tiempo también pinta, al modificar con su paso el tono de los colores.

2009/08/01

Pintura, fama y fortuna.





"No te metas en arte por adquirir fama o fortuna. Hazlo porque no puedes no hacerlo", dice John Baldessari en su carta a un joven artista que le pide consejo.
Un periodista le preguntó a Samuel Beckett por qué se dedicaba al Teatro. "Porque es lo único que sé hacer" fué su respuesta.
El filósofo Alain de Botton en su charla TED, nos recuerda con una sonrisa que la medida del éxito y del fracaso en nuestra vida lo determinamos nosotros mismos.

2009/07/16

Concurso de Pintura Rápida. Mark Tansey


El cuadro "Action Painting II" del pintor americano Mark Tansey, nacido en 1.949, muestra un grupo de pintores al aire libre, como las reuniones de pintores que se forman en los Concursos de Pintura Rápida.




La fotografía de detalle, para no perder detalle:

Mark Tansey: Action Painting II (detail) por Lotte_Meijer.

















El título "Action Painting" se refiere al estilo pictórico que también conocemos como Expresionismo Abstracto.


Mark Tansey utiliza en sus cuadros la grisalla, la técnica de manchado de la tela con grises, con la que se establecía la composición general y el dibujo con sus luces y sombras, el claroscuro, antes de la aplicación del color por veladuras.
El contraste entre el realismo decimonónico de sus escenas y lo absurdo de las situaciones, hacen que su Pintura sea inolvidable.

2009/07/09

Cartas a un joven artista, capítulo III


John Baldessari

Querido Joven Artista,
Empecé mi carrera como joven artista en 1957. Entonces no había tanto dinero en el arte como lo hay hoy en día. Por lo tanto, uno creaba arte porque lo necesitaba. Yo daba clases en una escuela privada cinco días a la semana y pintaba cuando podía. Me casé y tuve dos hijos, lo que dificultó aún más que creara arte. Vivía en National City, California, que no era un centro artístico.
¿Mi consejo? No te metas en arte en busca de fama o fortuna. Hazlo porque no puedes no hacerlo. Ser artista es una combinación de talento y obsesión. Vive en Nueva York, Los Ángeles, Köln o Londres. En cuanto al dinero, si tienes talento y estás obsesionado, encontrarás una solución.
Tuyo en el arte,


John Baldessari
Venice, California


Carta de John Baldessari, según traducción de Nuria Armengol, revisada por Victoria Morera , del libro "Letters to a young artist", publicado en inglés por Darte Publishing.

2009/07/07

Pintura, Museos

Todos hemos visitado exposiciones de pintura en Museos, todos hemos ido a ver magníficos cuadros al natural que sólo conocíamos por reproducciones. Todos sabemos la emoción que hemos sentido delante de un cuadro determinado. No necesariamente el cuadro que íbamos a ver, o el que va a ver todo el mundo después de hacer largas colas. A veces la emoción espera en una sala que recorremos medio distraídos. O bien, en la pared que está junto a la pared en la que cuelga una obra maestra, hay un cuadro que no tiene un muro de personas enfrente mirándolo a todas horas. Y ahí es donde nos detenemos, donde nos quedamos clavados en el suelo, porque no podemos creer que alguien haya visto y sido capaz de pintar tanta belleza, y que la belleza pueda ser tan inquietante .
Puede ocurrir en el Museo del Prado, en el Louvre, en el British, en los Uffizzi, en un pequeño museo de una ciudad de provincias, en una iglesia,.. Habremos hecho un viaje corto o largo para estar frente a ese cuadro, para sentir esa emoción. Quizá sólo podamos verlo una vez en la vida, esa vez que recordaremos siempre y hará que los siguientes cuadros sean o no hermosos en relación a la emoción que nos produjo ese cuadro.
Yo recuerdo "mi" cuadro, lo ví dos veces hace treinta años. Es un viaje que no he repetido y no he vuelto a ver "mi" cuadro, pero vuelvo a verlo cuando pienso qué es Pintura, qué puede llegar a ser la Pintura y por qué quiero pintar.

En las charlas TED, Tom Wujec explica cómo organizamos el mundo visualmente usando nuestro cerebro. Es una charla muy corta, solo seis minutos, para un tema muy extenso, pero es un ejemplo visual sobre la vista, la percepción, la emoción y la construcción del mundo.



Volviendo al Museo, hay alguien que convive con "mi" cuadro y que puede contemplarlo cada día. Si es muy afortunada, esa persona puede convivir con "su" cuadro y contemplarlo siempre que quiera. Las fotografías de Andy Freeberg muestran a las mujeres guardianas de los Museos rusos. Sentadas durante años en salas llenas de obras de arte, algunas de éstas mujeres llegan a mimetizarse de algún modo con las obras que las rodean: en su peinado, su postura o con el estampado que han elegido para vestirse. Todas interactúan con las obras con su sola presencia, como en esta fotografía en que un Jesús de Andrei Rublev parece dirigir toda su atención y compasión a alguien que está simplemente... distraído.



2009/07/03

Pintura y objetos encontrados


Hace unos años pinté el hermoso esqueleto de un erizo de mar. Era un cuadro pequeño, óleo sobre madera de 23 x 23 cm, que formaba con otros dos el tríptico "Vegetal, animal, mineral". El vegetal era una enorme semilla que un amigo trajo de las islas Andaman, y el mineral una piedra granítica que al tenerla en la mano me daba la impresión de ver un islote rocoso a vista de pájaro.
Durante mis paseos a veces recojo piedras, hojas, ramas, plumas, que me llaman la atención y los dejo en el estudio. Poco a poco han terminado mezclándose unos cuadros dejados encima de una mesa y algunos objetos encontrados.




Cartas a un joven artista, capítulo II



Sigo con la publicación de las cartas que destacados artistas escriben en respuesta a un supuesto joven artista que les pide consejo. Son la traducción que Nuria Armengol, con la revisión de Victoria Morera, hemos hecho del libro "Letters to a young artist".

En Cartas a un joven artista, capítulo I, leímos la carta de Gregory Amenoff que empezaba gritando: "LOS ARTISTAS DIRIGEN LA ORQUESTA", y en este capítulo II seguimos con la carta de Jo Baer donde dice que "las torres de marfil solo son buenas para (...) menopáusicos de ambos sexos".






JO BAER

Querido Joven Artista:
¿Participar en el mundo del arte puede dañar tu “integridad” y “libertad de pensamiento”? Tonterías. Sólo tú, por ti mismo, puedes hacer eso.
Además, cualquiera que use la palabra “contaminado” respecto al mundo del arte debería crecer o contentarse con unas producciones de nivel amateur. Si pretendes hacer una obra que los demás disfruten o aprecien, el mundo del arte (comercial) será una parte importante de tu universo: el mejor arte debe estar siempre basado en su realidad contemporánea tanto en su producción como en su distribución. Las torres de marfil solo son buenas para los muy jóvenes, los menopáusicos de ambos sexos, o los insatisfechos o disgustados. El mejor arte raramente reside ahí.
Existen muchas oportunidades para que los jóvenes expongan en galerías porque su obra es barata y por lo tanto es fácil invertir en ella. Si una galería buena se interesa por ti desde el principio, la única razón verdadera para eludir exponer es el riesgo de que el éxito temprano te obligue a mantener una praxis que funciona (es decir, que vende). Esta podría utilizarse como punto de referencia y limitar, si tú lo permites, evoluciones posteriores de tu obra. Pero no hay nada malo en esto, se trata de un patrón común a la mayor parte del mundo artístico.
Por otro lado, emplear cierto tiempo para conocerte a ti mismo no te llevará mucho más lejos que descubrir lo que te gusta o disgusta. El mejor arte no se basa en el ser, sino en lo que es importante imaginar y en cómo articularlo convincentemente. Si, con todo, de verdad quieres “tiempo para desarrollar un verdadero sentido de ti mismo”, te aconsejaría que pasaras una temporada fuera del mundo del arte, viajando y trabajando en el extranjero para saber cómo piensa otra gente o quizá estudiando en la universidad (o ambas cosas). El mundo del arte no se irá. Siempre podrás volver a él.
En mi caso, mis estudios universitarios precedieron a mi dedicación al arte y siempre he valorado lo que aprendí allí ya que fué decisivo para mí más adelante, a la hora de evaluar y decidir las trayectorias de mi obra. Conocer bien el mundo y cómo funcionan las cosas a largo plazo, es mucho más útil que exponer en las galerías.
Te deseo buena suerte iluminando la “sublime e invisible montaña“ de tu futura carrera (¿una cita de Rilke, quizás?)


Sinceramente,
(firma tachada- la producción en serie puede resultar perjudicial)


Jo Baer
Amsterdam

2009/07/02

Cartas a un joven artista, capítulo I.


En 2008 leí el libro "Letters to a young artist" que inmediatamente quise traducir al castellano. Es la publicación de las cartas que 23 artistas consagrados escriben a un joven artista que les ha enviado una carta pidiendo consejo para enfocar su carrera. Las respuestas son tan dispares como los estilos, géneros, culturas o razas de los artistas: Cai-Guo Qiang, John Baldessari, Adrian Piper, Guerrilla Girls, Yoko Ono, Howardena Pindell, Alex Katz, Elizabeth Murray, Gregory Amenoff, Jessica Stockholder, Jimmie Durham, Jo Baer, Joan Jonas, John McCrakken, Joseph Grigely, Kerry James Marshall, Lawrence Weiner, Mierle Laderman Ukeles, Stephen Shore, Thomas Nozkowski, William Pope, Xu Bing e Yvonne Rainer.

En el libro no se publica la carta del supuesto joven artista, pero sí una presentación que nos explica su motivación. Por las respuestas deducimos cuáles son sus inquietudes.

Lo que más me llamó la atención del libro fué el tono de las respuestas, porque era el de un artista hablando a otro artista. En éstas conversaciones de tú a tú, no hay críticos, curators, clientes ni galeristas. Solo dos personas que saben o quieren saber cómo enfocar una vida dedicada al Arte. Estas cartas tienen el tono de una conversación en el estudio y eso es lo que las diferencia de monografías, textos críticos e interpretaciones de la obra que leemos en libros de arte o en entrevistas de revistas especializadas.

Espero que alguna editorial muestre interés en publicarlo en español. De momento publicaré periódicamente en el blog la traducción que Nuria Armengol, con la revisión de Victoria Morera, hemos hecho de las cartas, una por una.
Empiezo publicando la Presentación de los editores de la edición norteamericana, la Nota del joven artista al lector y la primera carta, de Gregory Amenoff:

De los editores
El verano de 2005, la revista Art on Paper publicó un número especial titulado “Cartas a un joven artista”. Inspirado en las “Cartas a un joven poeta” de Rainer Maria Rilke, incluía una colección de doce cartas escritas por reconocidos artistas en respuesta a la carta de un ficticio “joven artista”.
Este libro, que incluye veintitrés cartas, amplía esta idea y proporciona un abanico mayor de opiniones y palabras sabias, a menudo sorprendentes, de muchos de los artistas más reverenciados hoy en día. Hemos leído estas cartas muchas veces y siguen emocionándonos, incitando nuestra curiosidad y enriqueciendo nuestra comprensión de lo mejor del mundo del arte y de las interioridades del trabajo de una mente creativa. Como en el caso de Rilke, los consejos que ofrecen estas cartas trascienden la disciplina del arte: son lecciones de vida.
Publicamos este libro en un formato pequeño, de bolsillo, para animar a llevarlo encima -usándolo como inspiración cuando sea necesario– y para facilitar pasarlo a los amigos. Cai Guo-Qiang, que creció en China, se refiere a él humorísticamente como el “pequeño libro verde” asociándolo, al menos en el formato, al pequeño libro rojo de Mao.
Una última nota: la carta original del joven artista no está publicada. Sin embargo, conforme vaya leyendo encontrará ideas recurrentes que le ayudarán a reconstruirla a su manera.
Peter Nesbett, Shelly Bancroft, Sarah Andress
Editores de la primera edición norteamericana.


NOTA DEL JOVEN ARTISTA AL LECTOR
Hace dieciocho meses me gradué en una Escuela de Arte y me mudé a Nueva York desde la costa Oeste. Estaba emocionado ante la posibilidad de vivir y crear en la ciudad que muchos siguen considerando el centro mundial del arte contemporáneo. Los museos, las galerías, las salas de exposiciones institucionales, los clubs de música: una comunidad de colegas. Recuerdo la euforia que sentí al llegar, durmiendo en el sofá de un amigo mientras buscaba mi primer apartamento.
Parece que fue hace mucho tiempo. Desde entonces me he visto abrumado por el desafío de llegar a fin de mes. Cuando no estoy en el trabajo -donde paso la mayor parte del tiempo- estoy viendo exposiciones o encerrado en mi habitación intentando crear mis obras.
En dos palabras, he pasado mucho tiempo sólo en una ciudad atiborrada de gente. Los pocos amigos que he hecho son artistas, muchos de ellos ya están exponiendo y vendiendo sus obras. Yo no, aunque he tenido la oportunidad de hacerlo. Llamadme purista, pero creo que es importante que los artistas desarrollemos un sentido auténtico de nosotros mismos antes de exponer, para que no nos tiente o nos contamine una intención comercial. Estoy en desacuerdo con muchos aspectos del mercado del arte que en estos momentos parece estar regido por la moda y la codicia.
Como sentía la necesidad de conectar con alguien que ya hubiera pasado por lo que estoy viviendo, decidí escribir una carta a un artista establecido cuyo trabajo admiro profundamente. Sólo el proceso de escribir la carta ya fue terapéutico y en realidad no esperaba recibir una respuesta. Pero varias semanas después llegó una respuesta. Estaba más que sorprendido. Al leerla me sentí lleno de confianza y energía y entusiasmado con la colaboración.
Empecé a escribir a otros artistas, uno a uno, seleccionando aquellos que parecían haber desarrollado sus carreras con pasión e integridad. Cada respuesta me daba valor para escribir de nuevo y, al cabo de un tiempo, había acumulado casi dos docenas de cartas de artistas de Estados Unidos y del resto del mundo. Las cartas me hicieron enfrentarme a mí mismo, cuestionarme mis miedos, ambiciones, prejuicios y suposiciones.
Estas cartas las comparto aquí exactamente como las recibí, con la esperanza de que sean tan valiosas para ti como lo han sido para mi.

Gregory Amenoff
Querido Joven Artista,
Gracias por tu lúcida carta. Envidio tu edad y tu caligrafía... no hay nada que pueda hacer respecto a la primera o la segunda, así que ahí va mi respuesta mecanografiada. Más que envolver mi respuesta en términos poéticos, he elaborado una lista de cosas que quizá quieras recordar mientras sigues el camino elegido de las artes visuales. Mientras la lees, imagíname ¡gritándotelas!
Primera y más importante, debes recordar que LOS ARTISTAS DIRIGEN LA ORQUESTA. Es fácil olvidarlo. A veces nos sentimos el último mono (el artista como víctima). Cuando un/una artista está en su estudio trabajando en un cierto aislamiento y produciendo objetos a partir de su imaginación, no hay nada de lo que llamamos el mundo del arte; no hay críticos, comisarios, historiadores del arte, o departamentos de historia del arte, no hay museos ni libros o librerías de arte y tampoco galerías de arte. Todo el tinglado se construye sobre un hecho central: el acto creativo en el estudio. No quiero ser arrogante, es la simple verdad. No sé si somos el plancton o la ballena, pero sé que somos indispensables.
Dicho esto, HAZ DE TU ESTUDIO TU SANTUARIO. No te hagas ilusiones... el negocio del arte, a pesar de las pretensiones que envuelven a los “productos culturales” tiene más en común con los negocios que con el arte. Cuando tu obra sale del estudio y entra en el mundo, cambia su carácter. No es necesario consultar a un marxista para saber que el arte es un artículo de lujo. Aprendes a vivir con este hecho (y encuentras maneras de justificarlo) pero en el estudio las cosas son diferentes. Dentro de ese espacio creas y te arriesgas, destruyes y creas de nuevo. Si espiritualmente el mercado encuentra el acceso al estudio, abdicas de tu poder principal. Mantén tu estudio libre de asuntos del mercado. Puede que tengas que bailar con los lobos, pero puedes mantenerlos al otro lado de la puerta.
Hablando de trabajar en el estudio NO TEMAS HACER TONTERIAS EN EL ESTUDIO. Los artistas no pueden ir más allá de lo familiar y convencional sin arriesgarse a hacer el ridículo. No tendríamos el último trabajo de Guston si, conscientemente, no se hubiera atrevido a hacer tonterías.
Una rápida: MANTENTE ALEJADO DE LAS FERIAS DE ARTE. En vez de eso, ve a un museo y quédate un rato en un ala de arte antiguo. Saldrás rejuvenecido, no desmoralizado.
APOYA A TUS COLEGAS ARTISTAS COMO ELLOS TE APOYAN A TI. Tu mejor comunidad es tu grupo de colegas artistas. Las inauguraciones son ocasiones excelentes en las que los artistas se encuentran para animarse los unos a los otros. Sin duda sirven para ampliar tu red de contactos, pero sobre todo para ampliar tu comunidad más allá del estudio. Vivimos en un país donde la cultura está marginada... mayor razón para apoyar nuestros esfuerzos. Artistas como Joan Mitchell, Adolph Gottlieb, Robert Mapplethorpe y Andy Warhol crearon fundaciones para ayudar a otros artistas a perpetuidad. ¡Qué buen testamento el de su generosidad!
LEE BIOGRAFIAS DE ARTISTAS. Las vidas de otros artistas pueden hacerte ver otras maneras de enfocar tu vida como artista, y esos escritos también pueden ayudarte a ver más allá de las circunstancias concretas de nuestra época.
Es fantástico hacer muchas exposiciones y vender mucha obra, pero esto sólo no te llenará. Como dijo el difunto y sabio pintor Harvey Quaytman, “VIVIR DEL ARTE ES UNA CARRERA DE LARGA DISTANCIA, NO UN SPRINT”. ¿Puedes imaginar una vida rica creativamente más allá de los convencionalismos de fama y triunfo económico? Si empiezas a contestarte esta pregunta mientras eres joven, te mantendrás erguido cuando llegues a la mitad o al final de tu carrera.
Te deseo lo mejor,
Gregory Amenoff
Nueva York

2009/06/29

Pictos, ¿cómo obtenían el azul con que se pintaban?

En una sobremesa agradable, en la que nos quedamos hablando en el jardín tras una comida sabrosa y ligera, hablábamos de Pintura y colores con una amiga y surgieron los Pictos, esos guerreros celtas que iban a la batalla con el cuerpo pintado de azul. Mi amiga preguntó: "¿cómo obtenían el pigmento azul?". He indagado para contestar y he aquí algunas respuestas:

Julio César en el Siglo I a.C. escribe en "La guerra de las Galias": “Los celtas pintan sus cuerpos con tintura de glasto, para parecer más terribles. Llevan el pelo largo y los cuerpos afeitados, a excepción del labio superior y la cabeza”.



En el blog exapamicron encuentro este ameno artículo que amplía la información:

Breve historia del azul
08/15/06 by fraxi

Empezamos con William Wallace. Al "Braveheart" de Mel Gibson habría que desmaquillarlo y quitarle la falda. No existen testimonios de que en esa época hubiera guerreros escoceses pintados de azul, esa ornamentación es bastante anterior, así como tampoco lo hay de escoceses con kilt (la falda) hasta mucho después. Sin embargo lo que nos interesa es el azul que los antepasados de Wallace emplearon para teñir la ropa y pintarse el cuerpo. Para aplicarse esos colores utilizaban un tinte azul que procedía del glasto, un arbusto de un metro de altura que crece en la Europa septentrional. Cuando se ponía el glasto en contacto con un montón de abono produce un líquido amarillo que si se frota en las ropas o el cuerpo cambia de color convirtiéndose en azul brillante.

Como se podía obtener a bajo costo en grandes cantidades este azul se extendió por toda Europa y durante la Edad Media lo encontramos dando color a calzas, jubones y tocas. No tuvo rival hasta unos siglos más tarde cuando los mercaderes holandeses que viajaban a Oriente trajeron una planta que produce el mismo tinte y crece más deprisa y a menos coste que el glasto: el índigo. Los británicos, principales productores europeos de azul de glasto, reclamaron impuestos sobre el “azul extranjero” ya que según sus análisis era “dañosa, funestamente devoradora, perniciosa, engañadora, consuntiva y corrosiva” (documento londinense de 1577). La Marina Real se puso de su lado, sus uniformes sólo podrían ser teñidos mediante el patriótico glasto. Pero los los productores de tinte no tardaron en ver las ventajas del índigo y establecieron plantaciones en el Caribe y en la India abandonando el glasto. A principios del siglo XVII entró en bancarrota el último de los productores de glasto.

La venganza del glasto llegaría por medio de un químico alemán, Adolf von Bayer, que desde los 8 años buscaba una manera de obtener indigo en una probeta y cuya tenacidad se vió recompensada en 1885 cuando contaba 60 años. Ahora una fábrica alemana podía producir tanto índigo como una plantación subtropical británica de 100.000 hectáreas. Los productores de índigo pidieron impuestos sobre ese pernicioso índigo sintético, la Armada Real manifestó que sus uniformes sólo podían ser teñidos con el hermoso y patriótico indigo. Pronto las fabricas británicas empezaron a “cosechar” el índigo sintético. En 1912 entró en bancarrota la ultima de las plantaciones.

Estamos en la gran época del indigo sintético, las batallas en los campos de Europa destrozan millones de uniformes teñidos de ese color. Pero en los 50 estalla el crack del azul, China que utilizaba el índigo para teñir los monos de obrero, el uniforme oficial y obligatorio, cierra el comercio al “azul extranjero” y comienza a utilizar sus propios tintes. El 30% del mercado mundial se vino a pique. Para empeorar las cosas la empresa suiza Ciba y la británica ICI se ponen de acuerdo para comercializar nuevos tintes sintéticos de colores brillantes y baratos. El índigo yace arrinconado en el fondo del armario ante el boom de las prendas de algodón chillonas de los 60. La Armada Real no dice nada no vaya a ser que acabe por llevar uniformes de rosa fucsia.

A principios de los 60 sólo existían cuatro fábricas de índigo fuera de China y la situación empeoraba por momentos, se debía buscar un nuevo uso para el índigo. No se conoce el nombre del ingeniero químico que sugirió la primera aproximación a la solución, marketing dijo que la idea era una solemne estupidez y no fue apoyada. ¿A quién iban a interesarle unos pantalones azules?. La verdad es que el índigo le daba a los pantalones un brillante color azul que los hacia parecer demasiado llamativos. Otro químico dio con una solución que calmaba la intensidad del color azul: se teñirian los hilos verticales de la tela de indigo y se dejarían que los horizontales siguiesen de color blanco. Se descubrió que una pequeña empresa textil de California poseía precisamente este tipo de diseño en su catálogo. Se llamaba Levi-Strauss, y fabricaba los pantalones tejanos de marca Levi’s.

Libro:
David Bodanis : Los secretos de una casa

Existe una información diferente a la del pigmento de glasto que explicaría el origen de ese azul de otro modo:

Herodías, en el Siglo III d.c. escribe:…”Poco acostumbrados a llevar ropas, adornan sus cuellos y cinturas, lo que consideran un símbolo de belleza y de prosperidad económica, tatúan su cuerpo con dibujos abstractos y toda suerte de animales, acudiendo casi siempre desnudos a la lucha…”